Top 5 principper for karakteranimation

Animation plejede at opfattes som netop den måde, vi mennesker skabte tegneserier på. Men nu er det meget mere end det. Det er ikke længere kun begrænset til tegneserieindustrien, det er overalt: videospil, film, reklame, forklarervideoer, websteder, mobil- og webapplikationer - du kalder det. Det er en vidunderlig og på samme tid temmelig populær kunstform. Noget der får mig til at krydse. For du ved hvad? Animation er det, jeg gør hver dag.

Jeg er en bevægelsesdesigner på Zajno, hvor jeg er glad for at gøre det, jeg synes om at gøre. Jeg animerer logoer, opretter animerede illustrationer til websteder eller applikationer samt arbejder med videoer. Men da animation ikke kun er mit job, men også min hobby, bruger jeg også meget af min fritid på det.

Jeg er en stor fan af gamle Disney-tegneserier, og jeg har altid ønsket at vide, hvordan man arbejder med denne form for magi. Måske endda lære at gøre det selv. Så for et par år siden interesserede jeg mig for traditionel, håndtegnet animation. En idé ramte mig, så jeg lige åbnede Photoshop og begyndte at tegne lige foran. Jeg havde ikke en klar idé om, hvilke nøglerammer der var på det tidspunkt, heller ikke om ekstremer. Miniaturer? Hvad er det for nogle? Alt, hvad jeg ønskede, var at sætte mig ned og bare gøre det. Den eneste sikre ting for mig var at bruge lethed ind og lethed. Nå, da jeg allerede havde nogle erfaringer med bevægelsesdesign på det tidspunkt, ville det være lidt underligt at ikke vide noget om easy-ins og outs.

Alt i alt tog det mig cirka 3 uger at oprette en 26-sekunders video. Temmelig lang, ikke? Nå, jeg var en rookie, jeg vidste intet om, hvad jeg ville ende med, og heller ikke hvilke farver jeg ville bruge. Med andre ord lavede jeg alle de fejl, man skulle undgå, mens jeg lavede en animation. Det var dog ikke så dårligt i sidste ende, i betragtning af at det var min første prøve. Jeg gjorde mit bedste med de færdigheder og viden, jeg havde på det tidspunkt. Forresten, her er resultatet:

Det bedste ved mit første forsøg var, at jeg indså, hvor jeg stod. Først forstod jeg, at klassisk animation var, hvor mine interesser virkelig lå. For det andet var det klart, at jeg manglede noget teori og praksis for at skabe animation af høj kvalitet. Denne oplevelse startede mig, så jeg begyndte at lede efter en måde at finpudse mine evner på. Og jeg fandt det. Hvor der er en vilje, er der en måde, ved du. Det var et onlinekursus i traditionel animation, som jeg startede med. Min mentor arbejdede på Disney Studios i over 10 år. Han lærte mig 12 grundlæggende principper for animation, hvordan man skaber figurer, hvilke teknikker jeg skal bruge og andre tricks i handelen.

Det bedste ved mit første forsøg var, at jeg indså, hvor jeg stod. Denne oplevelse startede mig, så jeg begyndte at lede efter en måde at finpudse mine evner på.

I dag er mit hovedfokus at lære karakterdesign, da det stadig er en af ​​de færdigheder, som jeg gerne vil udvikle. Efter at have lært mange tip og tricks fra forskellige kilder, vil jeg gerne dele nogle af dem med dig.

1. S-kurver eller handlingslinje

Dette princip bruges ikke kun i karakterdesign, men også i fotografering. Det hjælper med at få karakterens position til at se naturlig ud. Kurven går gennem en karakters krop og styrer dens hver bevægelse. Uden denne kurve ville personens bevægelser være pludselige og rygende, ligesom en robot. Det er dog velkendt, at en karakter skal flyde fra en position til en anden, så flytningen ser slinkende og glat ud.

2. Ingen parallelle linjer

Der er intet parallelt i menneskets krop. Næsten alt går fra smalt til bredere og vice versa, ligesom en underarm eller et ben, der er bredere ved hoften og derefter indsnævres mod ankelen. Det samme gælder palmerne. Det fungerer også for dyr såvel som for andre levende væsener.

3. Asymmetri

Når man opretter et tegn, skal man undgå symmetri. De gamle Disney-mestre plejede at kontrollere hinandens karakterer for symmetri. For nogle gange er det svært at se dine egne forseelser. Der må ikke være nogen symmetrisk arm / ben / fingerposition i en position. Fordi dette skaber et unaturligt look. Karakteren giver ikke den tredimensionelle fornemmelse på den måde, den er flad, og det ser ud til, at den kan falde ned ethvert sekund, ligesom en papudskæring.

4. Silhuet

Silhuetten skal være ”læsbar”. På grund af en klar silhuet kan vores øjne let se bevægelsen. Silhuetten skal også være genkendelig. For eksempel, hvis de viste dig Mickey Muses silhuet, ville du gætte det ved første forsøg, kan der ikke være nogen fejl ved denne karakter. Det samme gælder Baloo fra Jungelbogen og for alle de andre ikoniske tegneseriefigurer.

5. Enhed og tegning igennem

Karakteren skal være integreret. Det bør ikke være overmættet med detaljer. Det skal være afbalanceret med hensyn til design og også attraktivt, selvom det er verdens værste skurk. Hver form skal jævnt blandes i en anden og skabe en komplet, fleksibel figur. Desuden skal man altid holde lydstyrken i tankerne og trække igennem. Selv hvis vi ikke ser karakterens skulder, er vi nødt til at tegne den på skitsen for at sikre, at armen "vokser fra det rigtige sted". Her er et godt eksempel på at tegne igennem og bruge S-kurver også:

Dette er de vigtigste principper for karakterdesign, man altid skal huske og holde sig til. De hjælper mig meget med at skabe glatte karakteranimationer. Håber, at de også tjener dig godt.

P.S .: Hvis du kunne lide denne artikel skal du sørge for at klappe - som en nybegynderforfatter betyder det verden for mig!

Hjemmeside | Dribb | Facebook | UpLabs | Twitter | Instagram | Vimeo